Работы современных известных художников

Татьяна Чурсина родилась в 1985 г. в Подольске.
В 2010 г. окончила Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова, факультет живописи.
С 2010 г. - член Московского союза художников.
Награждена медалью Московского cоюза художников.
Участник выставок с 2004 г.

"Я работаю со станковой живописью, графикой, инсталляцией и керамикой. В своих работах я прежде всего говорю о своем отношении к окружению, пространству, о моей философии. Для меня пространство, где я восстанавливаюсь, нахожусь продолжительное время, предметы, свет — невероятно важны, я чувствую любовь, когда мой быт комфортен. О ней я рассказываю пластически, работая с пространством, ритмом, формой. Складки форм, композиционные решения и акцент на пустоте в формате для меня наиболее привлекательны и убедительны.
Главное, что меня сегодня интересует в работе — это касания, которые показывают не только границы форм, но и визуальный ритм моих движений. Пластический язык, материал и взаимодействие приемов волнуют меня не меньше, чем пустота между шкафом и окном. Отношения тональные и цветовые с нужным нажимом — мои инструменты. Мое окружение, повседневные дела, звуки, запахи и то, что висит в воздухе — серьезно определяет меня как личность и инстинктивно трансформируется на плоскости. Я верю, что любая рефлексия и использование личного отношения всегда будут базой креаторства, создания, а не потребления. Ведь яичница, приготовленная с личным отношением уже не будет просто пищей."

Работы, представленные на сайте - из серии "Любовь осьминогов и лягушки".
Эта серия о любви, о состоянии каждый день, о предметах, пространстве, воздухе. Любовь для автора - это быт, каждодневные дела, мысли и звуки.
Две части серии были представлены у автора в мастерской, которая превратилась в пространство, где живут они - осьминог и лягушка. Работы, предметы быта, постель - свидетельства их жизни и присутствия.
Третья часть показывала эти свидетельства в музее. Живопись, посуда, рисунки, которые показывали их существование: посуда, из которой они едят, живопись, которая у них дома.
Погружаясь в касания, пластическое мнение автора о том, как можно увидеть тишину и отсутствие, можно выстроить мир, в котором простота, воздух, ощущения главные в повседневности. Живопись, графика и керамика - медиумы.

Вообще цикл "Животные" - один из двух основных в работе художника. С помощью образов лошадей, собак, крокодилов автор говорит об отношении к миру, окружению и себе.

Татьяна Ян родилась в Москве в 1965 году. В 1987 окончила Московский Полиграфический институт (мастерская Дмитрия Бисти).

Первые творческие работы выполнены в технике офорта и литографии, в выставках участвовала также как график. С 1995 года активно экспонирует живописные работы. С тех пор прошло более тридцати персональных выставок Татьяны Ян,  она участвовала более чем в восьмидесяти групповых экспозициях в России и Европе.
Кроме станковой живописи, художник работает в сценических проектах: в 2001 году была художником спектакля Театра на Таганке «Сократ / Оракул», режиссер Юрий Любимов; в 2004-м написан большой живописный цикл «Семь слов Спасителя на Кресте» для музыкального перформанса на музыку Йозефа Гайдна (исполнение — Opus Posth, Татьяна Гринденко).
Татьяна Ян работает и как графический дизайнер, каждая ее книга – это концептуальный проект с уникальным авторским изобразительным рядом: «De Vita Sua» св. Григория Богослова, 2011, Греко-Латинский кабинет; двухтомник «Сады» Ольги Седаковой / Филиппа Жакоте, 2014, «Арт-Волхонка; «Песнь Песней и Книга Руфь» (не издана). Оформлены также книги: альбом «Наталья Глебова», 2010; «Круг: современное искусство Дагестана», 2001; Владимир Яковлев. Каталог, 1996 и др.
В 2005 году Татьяна Ян награждена Серебряной медалью Российской Академии художеств за цикл работ «Путь в Каппадокию».
Живет и работает в Москве.

Член Московского Союза художников с 1992г. (секция эстампа)
Член Творческого союза художников России.
Член ассоциации художников Фонд Тейлора (Tаylor Foundation), Париж

Тимур - разносторонний художник и фотограф. Рисованием увлекался с ранних лет, рисуя героев из любимых мультфильмов. Известность пришла благодаря граффити, которым он начал заниматься будучи школьником, в 1997 году. В 2003 увлекся фотографией, что позволило начать раскрывать творческий потенциал и в другом направлении.
На данный момент продолжает рисовать на улице, не забывая о бумаге и холстах.

Филипп Донцов – российский художник, скульптор, дизайнер, фотограф.
Родился в Санкт-Петербурге в 1972 году.
В 1994 Закончил Санкт-Петербургскую Государственную Художественно -Промышленную Академию им. Мухиной.
Живет и работает в Санкт-Петербурге.
В своих работах изучает проблемы человеческих отношений.

В 2005, 2007 году - участник спецпроектов 1-й и 2-й Московских биеннале.
В 2006 году – участник выставки Modus-R в Майами .
Работы художника представлены в Государственном Русском музее и Российской национальной библиотеке в Санкт-Петербурге, Kirsten Kear Museum, Denmark, а также в частных коллекциях.

Художник из Нижнего Новгорода, исследующий формы культурной памяти и трансформации архетипических образов в современной культуре. В 2010 году начал работать как уличный художник, однако в последствии отошел от стрит-арта, сосредоточившись на художественных экспериментах в загородных пространствах, а также студийной работе. Основное внимание уделяет работе с исчезающим культурным ландшафтом, создавая рисунки на опустевших деревянных домах, а также масштабные site-specific инсталляции, не имеющие финальной версии и изменяющиеся под воздействием окружающей среды. Художник разработал уникальную систему знаков и образов, перетекающую из графических и тиражных работ в объекты и живопись на найденных деревянных досках.

Эдуард Гороховский родился в 1929 году в Виннице. В 1954 году окончил Одесский строительный институт по специальности «Архитектор». В 1968 году был принят в Союз художников СССР. В 1973 году он переехал в Москву. С 1991 году жил и работал в Москве и Оффенбахе-ам-Майне, Германия. Умер в 2004 году в Оффенбахе-ам-Майне.
О своем творчестве художник писал: «Я уже точно знаю, что не нужно заталкивать в картину великие идеи добра и зла. Я их оставляю за дверью мастерской, отделяя все жизненное от того, что связано с моей работой. Картина для меня - пластический объект. Моя забота - забота мастера-ремесленника: предельно виртуозно при помощи собственного метода, сообразно своим эстетическим воззрениям исполнить поставленную пластическую задачу. Я глубоко убежден, что именно эта разделенность художника и человека, где не путаются два начала и каждое из них совершенствуется по отдельности, приводит к таинственному их соединению в околокартинном пространстве в виде чего-то неосязаемого, но именно того, что делает картину картиной». (Источник Art4)

Художница, родилась и выросла в городе Казань, сейчас живет и работает в Москве.

Образование:
2021 - Арт-менторинг, интенсив MSCA
2019 - 2020 Современное искусство, дпо MSCА
2018 - Современное искусство, интенсив MSCA
2018 - по следам современного искусства, курс музея GARAGE
2012 - 2018 - Академия акварели и изящных искусств им. Андрияки

Получив академическое художественное образование автор сегодня активно использует актуальные современные приемы в живописи. Основным медиумом, с которым работает художница, является текстиль. Это ткани, ковры, грубая мешковина и вышивки, на которых она пишет в своей уникальной, авторской технике.
Ключевые темы интересов Эльмиры Сафиной - это исследование женского опыта и мышления, сформировавшихся в историческом и бытовом контексте, основываясь на взаимодействии женщины с окружающим миром.
Характерная особенность ее творческого подхода - это перенос жизненных историй в формат сказок, метафор и легенд. Художница трансформирует реальные истории своих героинь в сказочные. Это не путь упрощения авторского послания, а усложнение визуального знака посредством первичной символизации.
Сказка - это в первую очередь, выход за пределы рационального линейного мышления. Использование понятийных и сказочных интерпретаций приближает к пониманию ситуаций, с которыми сталкиваются ее героини в реальной жизни. Метафорический подход к анализу событий происходящих с героинями, позволяет рассматривать историю персонажей, как отдельный сложный путь сказочного героя.

Награды:
2023 - Лауреат премии им. Вайолет Тиллар
2021 - American Art Awards winner 1st place category Portrait
2021 - American Art Awards winner category Erotic

Серия работ «Сумки», представленных на сайте, посвящена женщинам - «челночницам». Это особый феномен, который возник в 90-е годы прошлого столетия, когда новая ситуация требовала быстро сориентироваться в меняющемся мире. Клетчатая ткань особого вида сумок «челночниц» - символ той эпохи, а грубая мешковина - знак суровой реальности, в которой оказывается женщина вместе со своим багажом.
Художница рассказывает эту историю в эстетике фольклора. На основании исследований структуры сказки она показывает, что именно сказка выступает медиатором между человеком и культурой. В своем творчестве Эльмира выходит за пределы рациональных конструктов, используя образы «волшебных помощников», облекает их в формы различных сказочных персонажей, перенося героиню в вымышленную сказочную ситуацию. Феномен «челночниц» и ее клетчатый мешок достоин обратить на себя внимание снова, в новом контексте, как памятник силе, стойкости духа и одновременно хрупкости российской женщины.

Эрик Булатов – одна из ключевых фигур современного российского искусства, один из реформаторов картины во второй половине ХХ века. Его становление
и известность в 1960 – 1980-х связаны с кругом нонконформизма, «другого искусства», в котором он воспринимался одним из авторитетов, наряду с ближайшими друзьями –
Ильей Кабаковым, Олегом Васильевым и другими. Имя Булатова принято ставить в основание таких стилистических направлений, как «поп-арт», «соц-арт» и
«фотореализм», но очевидно, что творчество художника ими не исчерпывается. Исключительное сочетание мастерства и аналитики сделало искусство Булатова узнаваемым во всем мире – в числе первых среди современных русских художников.
Эрик Владимирович Булатов родился 5 сентября 1933 года в Свердловске (ныне Екатеринбург), куда его отец на некоторое время был направлен по работе.
Булатов – москвич, семья его вернулась в столицу в 1936 году, где он живет с того времени (с 1989 по 1991 живет в Нью-Йорке, с 1991 по настоящее время – в основном в
Париже). В 1952 – 1958 годах учится в Московском государственном художественном институте им. В.И. Сурикова. На протяжении 1950-х годов регулярно общается с
Робертом Фальком и Владимиром Фаворским, которых считает своими учителями. С 1967 года – член союза художников СССР (как иллюстратор детских книг, над которыми
работает в соавторстве с Олегом Васильевым). В СССР практически не выставлялся (выставка в Курчатовском институте в 1964 году сразу закрыта властями, 1968 –
однодневная выставка в кафе «Синяя птица»). Первая персональная выставка – в 1988 году в Музее изобразительных искусств Цюриха, сразу после – в Центре Жоржа
Помпиду (первым среди русских современников). Булатов – участник Венецианской биеннале, Биеннале в Кванчжу (1997, премия). Его искусство неоднократно показано
персонально в европейских музеях. Наиболее масштабные выставки прошли в Государственной Третьяковской галерее (2006) и Московском Манеже (2014). Работы
Булатова находятся в десятках музейных и статусных частных коллекций по всему миру.

Юлия Ивашкина – художница нового поколения нулевых-десятых годов. Работает с различными медиа: живописью, графикой, создает объекты и звуковые инсталляции.
В своих произведениях Юлия проблематизирует производство и репрезентации воображаемых представлений. Первая персональная выставка Ивашкиной «Прислушиваясь в том и другом месте» прошла в рамках программы «Старт» Центра современного искусства «Винзавод» в Москве, в 2010 году. В этом проекте художница в сложно-сконструированной инсталляции исследовала пространства, которые формируются в воображении как отголоски несуществующего прошлого, образы утраченных или исчезнувших мест, образуя зыбкую границу между реальным миром и представляемым. Из происходящих событий на холстах длительного проекта «Интерьеры_N», в
названии которого акцентируется серийность, в 2012 году сформировалась выставка «В комнатах», представленная в галерее pop/off/art. Ранее несколько
работ из «Интерьеров _N» принимали участие в выставке Practice for Everyday Life, курируемой Иосифом Бакштейном и Дэвидом Торпом в 2011 в пространстве Calvert
22 в Лондоне. Работы художницы были включены в групповые выставки, проводимые в рамках III Московской биеннале современного искусства (2009) и II
Московской международной биеннале молодого искусства (2010), так же включены в шорт-лист венской премии Strabag Artaward International 2012. В 2019 в галерее
pop/off/art прошла выставка «Почувствуй дыхание новой архитектуры», где рассматривалось архитектурное конструирование, определяющее современную
жизнь, начиная с бесчеловечных построек новых жилых районов и их инфраструктуры до концептов креативной клеточной геометрии.
Юлия Ивашкина родилась в поселке Оловянная Читинской области в 1982 году. По причине того, что ее семья часто переезжала, начальное и последующее образование она получала в разных местах. Училась на живописном отделении в Тверском Художественном училище. Окончила художественно-графический
факультет МГГУ имени М. А. Шолохова в 2008 и Институт проблем современного искусства в 2009. Училась в Университете Уэльва (UHU). В 2015 году Юлия Ивашкина совместно с Сергеем Волдыковым и Сергеем Огурцовым организовали объединение […]Labs, которое работает со звуком, как с
художественным языком. Проект получил развитие в ЦТИ Фабрика благодаря тому, что стал лауреатом конкурса Фабричные мастерские IV.
Юлия Ивашкина живет и работает в Москве и Уэльве, Испания

Родилась и училась в Москве. После окончания МГУ работала главным редактором глянцевых журналов, запускала собственные медиа проекты, продюсировала съемки и мероприятия.

«Я сознательно отложила начало художественной карьеры, хотя с детства мечтала стать художником, пока не почувствовала, что мне есть что сказать. Довольно странное решение, ведь в арт-мире так ценится молодость, но это вполне осознанный выбор».

В своих рисунках использует образы, связанные с пространством ностальгии – старые гаражи, заброшенные деревянные одноэтажки, полуразрушенные деревни. Они представляют собой нечто, что одновременно было и не было, что словно разворачивается в границах сновидения. В работах Юлии Кернер можно увидеть различные аллюзии – отсылки к литературе и кинематографу (например, итальянскому неореализму), мировому изобразительному искусству и народной культуре.

Образование:
Художественная школа им. Репина
МГУ, факультет журналистики
МГУ, факультет психологии
НИУ ВШЭ, школа дизайна