Работы современных известных художников

Вика Бегальская и Александр Вилкин – известный московский дуэт художников. Работают совместно с 2014 года. Один из наиболее ярких проектов Бегальской и Вилкина – кукольный спектакль «Пояс Афродиты» (в составе творческого союза Тереза), вошедший в шорт-лист государственной премии «Инновация-2015» в номинации «Произведение визуального искусства». В 2017 году видеодокументация спектакля была показана на персональной выставке союза Тереза в музее M KHA (Антверпен, Бельгия). За время совместной работы художниками было проведено пять персональных живописных выставок, две из которых проходили в галерее pop/off/art. В 2017 году состоялась выставка художников в галерее Lightcube в Ронсе (Бельгия). В 2018 году при поддержке галереи pop/off/art - в музее Art4 (Москва) и в галерее 9Б (Нижний Новгород). В начале 2019 года была открыты выставка в галерее Nathalia Tsala (Брюссель, Бельгия).
Вика Бегальская родилась в Днепропетровске. С 2000 года живет и работает в Москве. Кроме основного медиа – живописи, занимается также видео и перформансом. С 2007 года сотрудничает с галерей pop/off/art. В 2012 году основала художественную платформу «Феминистская кухня» совместно с Оксаной Саркисян. Совместно с Александром Вилкиным и Дианой Портленд основала творческий союз секс-работников и художников «Тереза» в Санкт-Петербурге в 2014. С этого года также работает совместно с художником Александром Вилкиным.
Александр Вилкин родился в городе Снежинске Челябинской области. С 2005 года живет и работает в Санкт-Петербурге. Александр Вилкин окончил Челябинское художественное училище, Северо-западный институт печати и книжной графики и институт «База». В 2006 году совместно с Межерицким и Ющенко основал арт-группировку «Протез». С этого года был участником творческого объединения «Паразит». С 2014 живет и работает в Москве.

Виталий Пушницкий – один из ведущих российских художников поколения 1990 – 2000х. В его работах классические изобразительные языки успешно соединены со стратегиями и технологиями современного искусства. Палитра техник, в которых работает художник, простирается от живописи до видеоинсталляций, и нередко техника специально разрабатывается для конкретного проекта. В новейшем отечественном искусстве мало кого можно сопоставить с ним по уровню индивидуального мастерства.

Владимир Никитович Наседкин (род. 4 апреля 1954 года) —
российский  художник ,  живописец , график,  скульптор ,  фотограф , автор объектов и
инсталляций.
С 1983 —  член Союза художников России. .
С 1996 —  Заслуженный художник России .
С 2010 — Заслуженный художник Республики  Северная Осетия-Алания.
Почетный член Российской Академии Художеств.

Родился в городе Ивдель, Свердловская область. В 1976 закончил художественно-
графический факультет Нижнетагильского Государственного Педагогического Института.
Учился у Перевалова Л. И. и Черепанова К. П. Работает совместно с женой,
художницей  Татьяной Баданиной . Дочь  Анна Наседкина  (1978 г. р.) — иконописец.
С 1977 по 1989 год преподавал на художественно-графическом факультете Нижнетагильского
государственного педагогического института.
С 1983 года-член Союза художников СССР.
С 1996 — Заслуженный художник России.
С 2010 — Заслуженный художник Республики  Северная Осетия-Алания.
Почетный член Российской Академии Художеств.

Жанр: живопись, графика, скульптора, фотография, инсталляция.
С 1997 года живёт и работает в Москве. C 1975 года начинает творческую и выставочную
деятельность. Провел около 30 персональных выставок в России и за рубежом.

Владимир Немухин (1925-2016) - яркий представитель советского нонконформизма, неофициального
искусства СССР. В своём творчестве Немухин развил своеобразный вариант
информализма, сделав картину не столько изображением, сколько предметом. Автор был
вдохновлен работами Малевича и Шагала, творчество которых и повлияло на
дальнейшее развитие его живописи.
Немухин участвовал почти во всех громких выставках и был участником ключевых
процессов в послевоенном неофициальном искусстве. В 1950-х годах работал
оформителем, декоратором и плакатистом. В 1957 году он поступил в Московский
государственный художественный институт имени Сурикова, откуда был исключен за то,
что не поддерживал принципы соцреализма. C 1965 участвовал в зарубежных выставках
(США, Польша, Италия, Франция). Член «Лианозовской группы», сложившейся в
середине 1960-х вокруг Евгения Кропивницкого. Активно участвовал в приватно-
квартирных и публичных выставках авангардного искусства, в том числе — в
«бульдозерной выставке» в 1974 году. Почетный член АХ РФ (2008).​ В 1990-х годах жил в
Германии. С 2005 года постоянно проживал в Москве.  Владимира Немухина по праву
называют лидером советского авангарда.
  Владимир Немухин участвовал более чем в 50 выставках в стране и за рубежом. Персональные выставки прошли в Москве, Нью - Йорке, Чикаго, Кельне, Джерси - Сити. С конца 1990 - х Немухин в основном живет в Дюссельдорфе. В 1999 году в Москве вышла книга «Немухинские монологи».
Работы Владимира Немухина хранятся в Третьяковской галерее, в Музее Современного
Искусства в США и в других государственных и частных коллекциях.

Дмитрий Гутов — вот уже на протяжении более двадцати лет одна из центральных фигур российского contemporary-art. Он — не только художник, но и теоретик, арт-критик, а также идеолог, член редколлегии и автор журнала «Художественная жизнь». С именем Гутова связана организация в 1994 в Москве «Института Михаила Лившица» — потешного полка современного российского искусства, сочетающего черты художественного проекта, сообщества интеллектуалов, теоретизирующих в духе махрово-социалистической эстетики, и перформанса. Например, порой доклады в институте Лившица можно было только петь или произносить речитативом, но не читать. По шуточному выражению Б.Гройса, Гутов — «идеологический терминатор».

Как художник, Дмитрий Гутов обращается к разнообразным медиа, переходит от одних к другим. Это и фотография, и живопись, и видео, и инсталляция, и цифровое искусство. По мнению А. Тер-Оганьяна, Гутов — один из лучших художников своего поколения. Как человек с академическим искусствоведческим образованием, он не оставляет без внимания историю культуры. Гутов обращается к классическому искусству, апроприирует офорты Рембрандта, русскую иконопись, восточную каллиграфию, создавая новые «прочтения» — в объеме, из металлической ленты. Гутов свободно оперирует любыми объектами культуры независимо от времени и пространства, превращая их в явления современного искусства. В своем творчестве Гутов, по словам В.Мизиано, обнаруживает «волю к ясности мысли».

Художник принял участие более чем в 40 персональных и 170 коллективных выставках по всему миру, среди которых Венецианская биеннале (1995, 2007, 2011), Стамбульская биеннале (1992), Манифеста (1996) в Роттердаме, биеннале 2002 года в Сан-Паулу, Сиднейская биеннале (2006), documenta (2007), Эчиго-Цумару Триеннале в Японии (2007), Шанхайская биеннале (2012) и другие. Работы Дмитрия Гутова находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи (Москва, Россия), Государственного Русского музея (Санкт-Петербург, Россия), Центра Жоржа Помпиду (Париж, Франция).

В 1994 году Владимир Дубосарский и Александр Виноградов создали свой собственный проект. В те времена актуальное искусство являло собой достаточно неординарное выражение инсайдерской мысли. Как правило, это были немного диковатые для “обычной” публики перфомансы.
Не удивительно, что после СССР-ого соцреализма московская публика требовала совершенно новые формы искусства, лишь бы уйти от фальшивого идеализма, который диктовался годами во времена совка. В подобной атмосфере и сформировался проект Дубосарский-Виноградов, предложивший картины, написанные в том самом ненавистном публике стиле - соцреализме.
Идея состояла в том, чтобы оставить язык произведения, то есть художественный стиль, прежним, а тематику, в свою очередь, избрать актуальную. То есть, в отличие от других мастеров актуального искусства, беспрерывно воюющих со всеми, начиная со зрителя и заканчивая Богом, Дубосарский-Виноградов заняли позицию конформизма и полного приятия всего, что происходит в мире. Они продемонстрировали готовность обслуживать самый примитивный вкус, воплощать самые незатейливые фантазии, делать все очень красиво и предельно понятно. Они полностью отказались от своих творческих амбиций, стремления к уникальности, новаторских интенций и всего остального, что входит в характеристику с места работы актуального художника. Они полностью растворились в гипотетическом заказчике под вечным девизом «Чего изволите?».
В работах Дубосарского и Виноградова царила атмосфера “перебора”. Всего в картинах было как будто чересчур: слишком красиво, слишком сентиментально, слишком торжественно, даже вызывало чувство подступающей тошноты. Авторы доводили всё в своих произведениях до буквально кричащего абсурда.
При всём при том, тандем не пошел выставляться в коммерческие галереи, а продолжал работать на тех же площадках актуального искусства, что и раньше. То есть потребитель их искусства остался тот же, что и у искренних, радикальных нонконформистов.
Сейчас Дубосарский-Виноградов входят в пятерку самых известных российских художникових работы хранятся в Третьяковской галерее в Москве, Русском музее в Санкт-Петербурга, Центре Жоржа Помпиду в Париже и во многих других коллекциях.


Информация взята из источника: https://adindex.ru/publication/gallery/2011/07/22/69484.phtml

Евгений Эдуардович Гороховский – известный московский художник среднего поколения. Он родился в Одессе в семье архитектора, впоследствии одного из крупнейших отечественных художников второй половины века, Эдуарда Гороховского. В 1973 году окончил Школу-студию МХАТ в Москве и работал по специальности в Новосибирске, с которым связаны и его юные годы. Его становление происходило в 1970-е в непосредственном окружении мэтров «другого искусства» – Ильи Кабакова, Виктора Пивоварова, Эрика Булатова. Тогда и сложился его собственный стиль на стыке фотореалистического изображения и метафизического, концептуально отрефлексированного содержания. Фактически Евгений Гороховский стал одним из основоположников отечественного фотореализма, придав ему специфически философское звучание.
Появление каждого нового полотна Гороховского – плод не только работы непосредственно на холсте, но и длительных предшествующих процессов – от съемки десятков фотографий-эскизов до философской концептуализации результата в названии и развернутых пояснений к нему. Это и есть пояснения к бесконечной череде метаморфоз, сопровождающими каждое явление в нашем мире. Работы художника находятся в коллекции Государственной Третьяковской галереи, Московского музея современного искусства, а также в знаковых частных коллекциях в России и за рубежом.

60 место в рейтинге «Топ 100 признанных авторов» In Art: https://in-art.ru/art-mir/khudozhniki/ evgeniy_4042/

Михнов-Войтенко – один из первых и наиболее последовательных абстрактных художников в послевоенном Советском Союзе, ключевая фигуры ленинградского андеграунда. Михнов-Войтенко наиболее известен серией живописных работ «Тюбики» (конец 1950-х годов), которая может быть названа в числе важнейших в искусстве середины ХХ века и является новаторской по меркам международного современного искусства. Также знаковыми являются живописные работы нитроэмалью, находящиеся в том числе в Государственном Эрмитаже, Государственном Русском музее, частных собраниях. По праву считается одним из самых ярких отечественных художников-нонконформистов XX века.

Образование

Ленинградский институт иностранных языков, Российский государственный институт сценических искусств

Иван Горшков – российский художник из города Воронеж. Занимается живописью и полой металлической скульптурой, с виду напоминающей мусорных монстров. В его творчестве присутствует явный бунтарский дух, который никогда не оставляет без внимания интерес современной публики.

Живописные работы художника содержат сюрреалистические мотивы, меж тем его творчество можно отнести к стилю полуабстрактного экспрессионизма. Совмещая несовместимое, Иван Горшков создаёт цельные образы, гармонично вписывая их в пространство холста. Загадочные мистические существа вызывают у смотрящего то интерес, то страх, то отвращение, от чего, как говорит сам Иван, создаётся “эффект возмущения”.

Иван Горшков - один из основателей Воронежского центра современного искусства, а также участник многочисленных групповых выставок. Персональные выставки художника проходили в Воронеже, Москве (ЦСИ «Винзавод», галерея Paperworks), Cанкт-Петербурге (галерея Марины Гисич), Вене (Knoll gallery, AA collections), Берлине (DIEHL CUBE), Париже и Будапеште. Также Иван является стипендиатом программы поддержки молодых художников Музея современного искусства «Гараж». Его работы находятся в российских и зарубежных частных коллекциях во Франции, Монако, Австрии и Германии.


Премии и награды

2017 - “Художник года”, ярмарка Cosmoscow, Москва, Россия
Трижды стипендиат программы поддержки молодых художников Музея современного искусства «Гараж», Москва, Россия

Иван Плющ – российский художник среднего поколения. С равным мастерством Плющу даются и крупноформатные живописные полотна, и масштабные мультимедийные инсталляции. Через эти форматы Иван Плющ осмысляет такие понятия как коллективное бессознательное, историческая память постсоветского общества, поиск идентичности человека. Последние несколько лет художник исследует тему художественного мышления в сотрудничестве с искусственным интеллектом.

Образование
Санкт-Петербургское художественное училище им. Н.К. Рериха
2009 - Санкт-Петербургская Государственная Художественно-промышленная Академия им. В.И. Мухиной

Награды
2014 — номинант премии Strabag Award, Вена, Австрия
2013 - лауреат премии «Инновация», Россия2013 - лауреат Премии Курёхина, Россия